La Contrebasse

La contrebasse est le plus grand (elle mesure entre 1,60 m et 2 m) et le plus grave des instruments de la famille des cordes frottées. La contrebasse est apparue plus tardivement que les autres instruments de la famille (violon, alto, violoncelle). Elle a pourtant gardée une originalité de ses ancêtres : l'accord en quarte des violes (MI - LA - RE - SOL). Autre originalité, on lui adjoint parfois une cinquième corde (un DO 0) sonnant une octave plus bas que la note la plus grave du violoncelle. La tessiture de la contrebasse atteint alors 4 octaves, du DO 0 au DO 4.

Les partitions d'orchestre pour contrebasse se "contente" souvent de doubler les violoncelles à l'octave inférieure. Mais la grande richesse de son jeu a incité les compositeurs à lui consacrer de plus en plus des pièces à part entière.

Avec la trompette et le saxophone, la contrebasse est l'instrument de prédilection des jazzmen. Ils ont explorés différents modes de jeux.

Avec l'archet (*) ou sans l'archet, leur imagination a été fertile. Avec, on peut jouer "normalement", une formation classique, comme on l'apprend dans les conservatoires (une vie y suffirait-il ?). Voulez-vous jouer l'archer à l'envers, côté bois ? on dit "col legno" : "battuto" en frappant, "tratto" en frottant... Et sans l'archet, il y a le pizzicato où l'on pince la corde avec le doigt ou encore le pizz bartok où la corde est pincée très fort et elle vient frapper la touche...Et d'autres encore !!




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Malgré une facture bi-dimentionnée par rapport à la basse, la contrebasse encore parfois si peu connue a toujours eu d'ardent promoteurs, tant au niveau des compositeurs que des interprètes. Successeur de la contrebasse de viole (*), elle connaît ses premiers virtuoses à la période classique sur des concerti de Sperger, Vanhal, Pichl, Hoffmeister, Dittersdorf (*), Haydn, Mozart, et son rôle à l'orchestre devient plus indépendant dès le début de la période romantique avec Beethoven et Berlioz, pour ne citer que les plus connus. L'école allemande, très "symphonique ", a développé une très solide technique d'orchestre au XIX° siècle, tandis que l'Italie "belcantiste " a fait plutôt surgir des virtuoses solistes comme Dragonetti et Bottesini (*). La France, résolument tournée vers le ballet et l'opéra n'a eu une véritable école que tardivement. Elle est voisine en conception de l'italienne, et issue de la technique du violoncelle, puisque souvent en l'absence de contrebassistes purs, le rôle très important du 16 pied était assuré par des violoncellistes reconvertis.

Le retard de son émancipation dans le monde de la musique vient du fait que ni la forme, ni la taille, ni l'accord, ni l'archet n'ont été unifiés au départ, et il faut bien avouer que rien n'est encore fixe aujourd'hui.

Les formes varient à l'infini selon les recherches des luthiers entre celle de l'ancienne viole de gambe, celle du véritable "meuble " qui consiste à multiplier par un même nombre les proportions du violoncelle, et celle identiques, mais recoupée dans la partie supérieure pour une meilleure accessibilité dans l'aigu (forme poire ).

L'accord parti au XVIII° siècle de celui de la viole (concerto de Dittersdorf (*)) c'est stabilisé sur 4 cordes accordées en quartes (mi la ré sol), bien qu'il existe encore aujourd'hui un club de défenseurs de l'accord en quinte.





La contrebasse est maintenant émancipée comme l'alto. Nous pouvons la considérer comme un violoncelle alto, car elle apporte dans les mêmes tessitures plus de chaleur et de profondeur, et d'autre part, les interprètes parvenus à maturité savent personnaliser leur beau son vibré de la même manière. La forme poire semble plutôt destinée au jeu soliste ( concerti, sonates, pièces contemporaines), alors que la forme violoncellée convient plus à l'orchestre et au jazz, car plus puissante en harmoniques graves.

En France, notre jeu est extrêmement timbré c'est à dire que dans une phrase chantée, l'archet est toujours bien impliqué dans la corde afin de réaliser un étroit mariage avec la main gauche, en quelque sorte un soutient mutuel. Pour les notes marcato, "l'impression " ponctuelle de l'archet est obligatoire pour ne pas rater l'attaque du son. Cette caractéristique est la principale difficulté par rapport au violoncelle, plus facile à faire sonner. Les coups d'archet légers comme le spiccato sont par ailleurs les mêmes.

Nous devons donc, plus qu'à d'autres instruments, utiliser le poids de notre bras, et cela en le faisant soutenir par la pronation de notre avant-bras, représentée par notre pouce qui se sert de l'archet comme d'un levier pour soulever tout le poids situé au dessus de lui et le transporter sur la corde, dès que nous nous éloignons du talon. Nous rejoignons ainsi le principe de l'archet allemand tout en conservant les mêmes phrasés et coups d'archet que notre famille.

Il semble qu'une direction ait été prise ces 20 dernières années au conservatoire de Paris en enseignant une tenue d'archet solutionnant l'attaque et le soutient, par l'index situé au-dessus de la baguette, en l'enroulant d'avantage afin d'opérer une plus forte torsion contre le pouce, devenu subalterne. Mais tout ceci, bien que parti d'une bonne intention, compliquait les choses et obligeait de tout contrôler par les muscles, puisque la main, plus penchée en avant, perdait la simple sensation de se poser, étouffait le son, et pour finir, n'était plus en mesure d'exécuter normalement le spiccato.

Quoiqu'il en soit, nous en sommes maintenant à l'heure de la synthèse, et à la lumière de cette tentative, notre pouce mieux positionné reprend son service toujours plus accru, les rôles du bras et celui de la main sont mieux définis, la place des doigts est devenue très claire, et nous rejoignons ainsi nos collègues d'Italie ainsi que du monde entier.

Nous enseignons la contrebasse à partir de l'âge de sept ans (sur des huitièmes de cb), et il est fabuleux de constater l'aisance des enfants qui grandissent avec leur instrument. Le répertoire a beaucoup évolué tant en pièces contemporaines qu'en transcriptions et arrangements de toutes sortes, et ce qui est intéressant, c'est qu'il est vierge, libre, ouvert à toutes les idées, original. Ainsi donc, le contrebassiste se révèle bien souvent être un artiste hors du commun plein de ressources et s'intéressant à beaucoup de choses. En tout cas, nous pouvons toucher à toutes les musiques, et nous ne nous en privons pas.

Voilà pourquoi nous aimons notre fabuleux instrument.

Daniel Marillier débute la Contrebasse à l'âge de 7 ans dans la classe de son père à Nice. Il entre au CNSMP (*) à l'âge de 14 ans pour suivre l'enseignement de Jean-Marc ROLLEZ et il remporte différents prix dont le Prix Spécial du Jury au Concours International de l'Ile de Man (à l'âge de 16 ans).

Il entre ensuite comme Contrebasse Solo dans l'Orchestre de Nice (*), puis de Strasbourg (*) et en 1984 comme Super-Soliste de l'Orchestrede l'Opéra de Paris-Bastille (*) (à l'âge de 22 ans).
Se consacrant également à l'enseignement, il est actuellement Professeur au C.N.R. de Boulogne Billancourt (*) et enseigne chaque été dans diverses Académies Internationales (Nice, Flaine, Abbaye de Floreffe en Belgique...)
Il donne en soliste des récitals autour du monde : USA, Taïwan, Japon...


site officiel de Daniel Marillier : (*)

- Premier Prix du Conservatoire National Supérieur de PARIS en 1966.
- Rentre à l'Orchestre de Paris lors de sa création par André Malraux en 1967;
- Lauréat du premier Concours international de contrebasse de Genève (*) en 1969;
- Médaille d'argent à l'unanimité au deuxième concours international de contrebasse de Genève en 1973;
- Deuxième prix au concours international « Valentino Bucchi » de Rome en 1978;
- Joue régulièrement avec l'Ensemble Intercontemporain (*) et Pierre Boulez (*).
- Débuts des nombreux concerts de musique de chambre organisés par Daniel Baremboïm (*) au sein de l'Orchestre de Paris, en France et à l'étranger.
- Participe à la création d'une école d'orchestre : l'Afprojen de 1984 à 1987, Fait partie de l'ensemble à vents « Maurice Bourgue »
- Ouvre une classe de contrebasse au conservatoire de Franconville en 1989.
- Enregistre un premier disque avec orchestre chez VDE Gallo en 1990
Création du « Diptyque » de Henri Dutilleux (*) au Festival de Besançon en 1991
- Professeur au Conservatoire du Centre à Paris en 1992
- Rejoint le Quartet de Tango « Carrasco H » en 1995
Enregistre un deuxième disque de duos violoncelle et contrebasse, chez VDE Gallo en 1996
- Nombreux concerts de tangos argentins et sortie du premier disque avec le Quartet « Carrasco H » en 1997
- Nommé professeur au CNSM de Lyon en 1998
- Bernard Cazauran a donné des récitals en France à Paris, Lyon, Rennes, Tarbes, Reims et à l'étranger en Italie, Suisse, Chine et au Luxembourg.
- Sa vie de musicien d'orchestre est marquée par la direction à l'Orchestre de Paris de grands chefs tels que : Charles Munch, Herbert Von Karajan, Georges Solti, Léonard Bernstein, Lorin Maazel, Seiji Ozawa, Zubin Mehta, Daniel Baremboïm.